Aire, Agua, Tierra y Fuego son cuatro naciones enlazadas por el destino cuando la Nación del Fuego declara una brutal guerra a las demás Naciones. Tras un siglo de lucha, no parece haber esperanza de que algo pueda cambiar este entorno de destrucción. Entre el combate y la valentía, Aang descubre que es el único Avatar con el poder de manipular los cuatro elementos. Aang se une a Katara, una Maestra Agua, y su hermano Sokka para restablecer el equilibrio en este mundo atormentado por la guerra. Dirigida por M. NIGHT SHYAMALAN e interpretada por DEV PATEL, JACKSON RATHBONE, NOAH RINGER y NICOLA PELTZ.

    En 2005, Nickelodeon empezó a emitir una serie animada original llamada “Avatar: The Last Airbender”. La serie tuvo un gran eco en un amplio sector de la audiencia. Pronto, la fiebre de “Avatar” se había extendido hasta convertirse en un fenómeno internacional (la serie se emite en más de 120 países). Pronto llamó la atención de M. Night Shyamalan. 
  A las hijas de Shyamalan les encantaba la serie, sobre todo el personaje de la joven maestra del Agua Katara. Intrigado por su inusitada pasión de fans, Shyamalan decidió ponerse con ellas a ver la serie de televisión, y entonces él también se enganchó.
  Estaba claro que había potencial cinematográfico en la serie. No obstante, adaptar las alrededor de 30 horas de la serie en un largometraje no iba a ser tarea fácil, e incluía la incursión del cineasta en un género que aún no había explorado en sus trabajos anteriores. “Desde el momento en que escribí las primeras palabras del guión, supe que, para hacer una película con esta complejidad, hay que trabajar mucho en ello. Los creadores de la serie de ‘Avatar’, pasaron seis años elaborando su mitología”. 
  “Ha sido muy revelador y muy instructivo para mí hacer algo con esta escala, intentando mantener a la vez un nivel de perfección”, continúa Shyamalan. “Todos los días del rodaje estaba muerto de miedo, pues podía llegar a ser muy abrumador, y había muchas incógnitas. Esta película es dos veces y media mayor que cualquier cosa que haya hecho antes”.
  Los creadores de “Airbender”, fueron sumamente útiles en el desarrollo del guión para Shyamalan, ayudando a reducir las múltiples historias al tamaño de un largometraje. 
   “Airbender: El último guerrero” se basa en el Libro Uno de la serie de “Avatar”, que se centra alrededor del elemento del agua.
  Para comenzar a elaborar una historia así, Shyamalan contó con un colaborador de siempre, el dibujante de guiones gráficos Brick Mason, y los dos juntos realizaron la película en viñetas durante todo un año antes de comenzar con la fotografía principal. Una vez que se les hubo unido el director de fotografía Andrew Lesnie , la película pasó a la fase de pre-visualización, trabajando con Pablo Helman, supervisor de efectos visuales de Industrial Light & Magic. En ese punto, se renderizaron escena por escena unos animatics en tiempo real, creando una guía que permitía a los realizadores ver versiones animadas y montadas de las secuencias (más de un tercio de la película se bosquejó en pre-visualización antes de comenzar el rodaje).

 

 

EL DISEÑO DE "AIRBENDER: EL ÚLTIMO GUERRERO"...
    La transformación del diseño de la serie de “Airbender: El último guerrero” en un largometraje comenzó en noviembre de 2007, cuando los productores ejecutivos entregaron todas sus viñetas y dibujos de la serie al director artístico Philip Messina. Buscando expandir ese mundo desde la pequeña hasta la gran pantalla, Messina y su departamento artístico comenzaron a buscar referencias. Buscando en toda clase de cosas, desde revistas de viajes e historia hasta revistas de sociología, pasando por libros dedicados a lenguas muertas, empezaron a compilar lentamente un manual de sus propias ilustraciones originales.
  Un año antes del rodaje, Messina estaba listo para trabajar con un departamento entero, artístico y de construcción, de más de 250 artesanos.

CUATRO NACIONES, MUCHOS MUNDOS...
    Probablemente el mayor reto de diseño estribaba en la fortaleza de la Tribu del Agua del Norte. La impresionante estructura (que tenía que parecer como si estuviera hecha enteramente de hielo) es el escenario del último tercio de la película, en donde tiene lugar el sitio de la fortaleza por parte de los soldados de la Nación del Fuego (utilizando a más de 400 figurantes en las secuencias de combate). Dice Messina: “El plató de la T.A.N. fue el más difícil de diseñar. Básicamente, es un entorno que se encuentra en uno de los casquetes polares. Uno tiene que empezar por preguntarse: ‘¿Cómo vive esa gente?’ Asumimos la idea de que eran uno con su entorno, y de que vivían en ese clima extremo por decisión propia”. 
  Messina diseñó el plató de la T.A.N. con muchas influencias islámicas, hindúes y turcas en mente. Utilizando más de 200 trabajadores, la construcción del enorme plató tardó casi cuatro meses en completarse, y se fue elevando lentamente desde el suelo de un hangar para aviones del tamaño de dos campos de fútbol juntos. Para reforzar la sensación de estar labrado en hielo, el plató fue cubierto con miles de litros de un polímero teñido de gris y azul, recubierto todo con nieve hecha de sulfato de magnesio.
  Para los escenarios crudos y naturales de la aldea de la Tierra, una cantera de rocas proporcionó el entorno perfecto para construir los platós de exteriores. Los diseñadores adaptaron los colores del suelo, las rocas y los alrededores a su paleta. Se construyeron unas tiendas primitivas con los troncos de un bosque cercano, y el pueblo adquirió el aspecto de un campamento nómada beduino.
Mientras inspeccionaban la cantera en busca del escenario para la prisión de la aldea de la Tierra, a Messina le sorprendió agradablemente   encontrar un equipamiento industrial preexistente justo en el medio de ese espacio. “En lugar de luchar contra ello, pensamos que podríamos incorporarlo a nuestro plató. La enorme torre y la maquinaria de la cinta transportadora parecían pertenecer al mundo arcaico e industrializado de la Nación del Fuego”. Un par de puertas empotradas de acero y una pasarela después, la dificultad para el diseño se transformó en un recurso.
  El diseño de la ambiciosa Nación del Fuego (envueltos en furiosos rojos y ominosos negros) es único y diferente a la estética de las otras naciones… y por una razón muy concreta. Probablemente el mejor ejemplo sea el Comedor de la Nación del Fuego- El salón se construyó en el interior de una antigua planta eléctrica. Cerrada desde hace más de 25 años, la planta le ofrecía a Messina un sinfín de cañerías a la vista y de paredes desconchadas. El director artístico vio imágenes de Japón en la época de los shoguns y de China bajo el dominio comunista, y las incorporó al diseño del comedor.
  Además de los cientos de maquillajes y pelucas creados y elaborados por la producción, dos “estéticas” características requirieron una colaboración especial entre Shyamalan, Makovsky y la diseñadora de peluquería y maquillaje Ivana Primorac. Para la cicatriz facial del príncipe Zuko, el equipo empleó un maquillaje protésico para crear una quemadura cicatrizada, que parece como si las llamas hubieran lamido el rostro del príncipe. El diseño básico fue posteriormente estilizado hasta que casi parecía, según Makovsky, “las llamas del lateral de un coche tuneado”. La característica flecha azul que adorna la frente de Aang fue creada por un artista del tatuaje de Nueva York y está hecha de puntos, casi como un encaje. Teniendo presente que la marca no distrajera ni resultara apabullante (y para evitar cualquier símbolo o grafía reconocibles), Primorac y el artista del tatuaje desarrollaron un alfabeto entero creado a partir de una amalgama de muchas cosas, desde la caligrafía de los indios americanos, la tailandesa y la japonesa, hasta los símbolos de la alquimia y del Mandala tibetano.

 

EN EXTERIORES: PARTIDA HACIA GROENLANDIA...
    A pesar de su bucólico nombre, la mayor parte de Groenlandia es un paisaje congelado. Con el inicio de la fotografía principal, la producción partió hacia la diminuta y ya inspeccionada población de Ilulissat, en Groenlandia. Allí se filmarían todas las escenas de Katara, Sokka y la aldea de la Tribu del Agua del Sur. 
  Llegar hasta el punto de ir a filmar a Groenlandia demuestra definitivamente el compromiso de los realizadores con la autenticidad. Al lugar sólo se puede acceder en avioneta, y las temperaturas durante el rodaje a menudo caían bastante por debajo de cero. Aún así, al poder captar las impresionantes vistas de las colinas cubiertas de nieve recortándose sobre radiantes cielos azules y un mar cuajado de icebergs, todos los esfuerzos merecieron la pena.
  Todo el elenco, el equipo técnico y la maquinaria fueron transportados en helicóptero hasta remotas localizaciones en los alrededores de Ilulissat. Para aprovechar al máximo la localización, se rodaron escenas en múltiples lugares, desde la superficie de un lago helado hasta tambaleándose sobre un casquete de hielo.
  Pese a las dificultades de rodar en un sitio tan exigente, el equipo de efectos visuales de Pablo Helman también descubrió ocasiones para la aventura. El valeroso equipo pasó varios días a bordo de una gran embarcación de pesca, filmando planos de fondo de enormes icebergs.
 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

DOMINANDO EL ARTE DEL CONTROL...
    Una vez que a Noah Ringer le dieron el papel de Aang, sólo tenía alrededor de un mes para entrenarse, es decir, como actor. Se quedó sorprendido al ver cuánto tienen en común la disciplina de la interpretación y la práctica de las artes marciales.
  Ringer se entrenó con el departamento de especialistas durante un par de meses antes de comenzar el rodaje, incorporando sus movimientos de artes marciales en complicadas y coreografiadas secuencias de lucha.
  Cuatro ‘naciones’ cinematográficas unen sus fuerzas: artes marciales, escenas con dobles, efectos visuales y efectos especiales
Shyamalan ha sido siempre un gran fan de las artes marciales y de las películas de artes marciales. “Soy un fanático de las artes marciales.   Soy uno de esos que tienen una estatua de Bruce Lee en el despacho y que han visto ‘Operación dragón’ decenas y decenas de veces”.
  Aunque los protagonistas Noah Ringer y Dev Patel tienen sendos cinturones negros de taekwondo, el estilo de arte marcial de Corea, iban a tener que trabajar para transformar sus movimientos, para que coincidiesen con los que se necesitaban para la película. El mundo de “Airbender: El último guerrero” utiliza el arte marcial chino conocido como wushu, que incorpora varios estilos de lucha. 
  Hay miles de clases de wushu diferentes, y es la forma en la que se ejecutan los movimientos la que determina el estilo.
 Con independencia de lo expertos en artes marciales que fueran los miembros del reparto, aún así tenían que recurrir al equipo de dobles. Cuando la acción resultaba ser demasiado fuerte para los actores principales, acudían en su ayuda los 61 miembros del equipo de  especialistas, así como un amplio equipo de dobles, actores, y un entrenador de wushu. Además, más de 90 de los extras contratados ya tenían experiencia en artes marciales, y fueron posteriormente entrenados por el equipo de especialistas.
  Habberstad y su equipo ensayaron las secuencias de lucha durante cuatro meses antes del rodaje. Las luchas escenificadas eran más bien como bailes: coreografiadas hasta el menor movimiento, tendrían que ser interpretadas con un ritmo y una precisión exactos.
  Incluso con todos los actores clave realizando un entrenamiento en artes marciales, las escenas más peliagudas y complicadas requerían utilizar dobles. Cada actor tenía un doble, excepto Noah Ringer… que tenía dos.
  Las expertas especialistas Karine Mauffrey y Jade Quon trabajaron incansablemente para crear las secuencias de lucha con control del aire y del agua  aparentemente sin esfuerzo por parte de Aang. Karine, acróbata durante cuatro años en el Cirque du Soleil, le aportó estilo y gracia a los movimientos de Aang. Jade, experta en artes marciales y gimnasia, se encargó con fuerza de los grandes movimientos de Aang y del trabajo con el cable (un arnés especial permitía a Jade dar vueltas y girar simultáneamente en el cable).
  El equipo de especialistas utilizó un programa informático llamado Navigator, que pre-programaba el trabajo con el cable midiendo los detalles en una cuadrícula, y mostraba la velocidad del desplazamiento en una gráfica. Manejado por dos técnicos, esta precisa exactitud se activaba pulsando una tecla, ofreciéndoles la posibilidad de replicar perfectamente la escena infinidad de veces. Si hacía falta algún ajuste, el ordenador también lo podía hacer.
  Otro departamento igualmente importante para la magia en pantalla era la sección de efectos visuales, dirigida por el supervisor de efectos visuales Pablo Helman. Su equipo de Industrial Light & Magic resultaría ser clave a la hora de crear el mundo de fantasía de “Airbender: El último guerrero”, comenzando por la pre-visualización animada creada meses antes del rodaje. 
  Y meses después, cuando las cámaras dejaron de grabar, comenzó de nuevo el trabajo de ILM. La agenda de posproducción incluía seis meses para introducir todos los planos con efectos visuales, y otros cinco meses para perfeccionar todos los detalles del inmenso lienzo de Shyamalan.
  Explica Helman: “Tuvimos un período bastante largo de investigación y desarrollo para determinar exactamente lo que sería en ‘control de los elementos’, y qué aspecto tendría. Lo que sabíamos era que, para que funcionara, tenía que ser orgánico. Tenía que parecer creíble, pero también tenía que tener la capacidad de meterte en un mundo de fantasía en donde podía suceder cualquier cosa, tenía que tener emoción”.
   “Airbender: El último guerrero” marcó también la diferencia con el proceso de rodaje habitual de Shyamalan. En sus películas anteriores, no entró en la sala de montaje a editar hasta que la película estuvo terminada. Pero en “Airbender: El último guerrero”, comenzó a montar durante la producción. Entonces, podía enviar las escenas montadas a ILM para que comenzaran su trabajo por ordenador. 
  Siempre que fue posible, se construyeron platós para el rodaje en lugar de basarse en el uso de la pantalla verde. Dice Helman: “En efectos visuales siempre preferimos poner algo para que el actor actúe y reaccione ante ello. Entonces partimos desde ahí”.
ILM hizo mucho más que crear y ampliar los entornos. También se les pidió que crearan unas criaturas asombrosas que sólo podían existir en un universo en el que un puñado de personas pueden controlar los elementos.
  Para el trabajo de crear efectos durante el rodaje real, Shyamalan recurrió al equipo de efectos especiales, dirigido por Steve Cremin, quien ha colaborado con Shyamalan en todas sus películas anteriores.
  Una de las principales tareas de Cremin era crear fuego, lo cual parece bastante fácil pero, al ser el arma predominante de la Nación del Fuego, el fuego en el guión de Shyamalan tiene que hacer muchas cosas. Cremin utilizó principalmente tubos de gas (cuyo aparejamiento es muy complejo), pero además creó escombros ardientes, llameantes bolas de fuego, antorchas y, por supuesto, humo.